Historia

Breve historia del arte: desde los antiguos maestros hasta el arte moderno

Escrito por Tom | 3 de diciembre de 2020


El arte es un mundo repleto de figuras, como muestra su historia. Su evolución refleja los universos de los diferentes artistas y nos da una idea de un pasado que de otro modo se habría perdido. Abarcar la totalidad de la historia del arte es una tarea inmensa, así que nos centramos en el arte europeo desde el siglo XVII hasta el siglo XX. Nuestros expertos en arte clásico y moderno nos guían por los movimientos artísticos definitorios de estas épocas.


Arte del siglo XVII – Barroco


Impulsado por la reforma religiosa de la Iglesia católica, el estilo barroco dominó en el siglo XVII. ‘El período de la pintura barroca empezó alrededor de 1600 y continuó a lo largo del siglo XVII y hasta inicios del siglo XVIII’, dice la experta en arte clásico Caterina Maffeis. ‘Engloba una serie de estilos, pero se caracteriza por un gran dramatismo, riqueza, colores profundos y luces intensas con sombras oscuras’.


El Barroco destacó por invocar imágenes religiosas con su atención puesta en el realismo y el atractivo emocional de sus temas. En un momento en que la Iglesia católica trataba de conectar con la gente y reafirmar su piedad, el arte barroco desempeñó un papel central a la hora de crear esta conexión. Gran parte de su fijación por los claroscuros —a menudo representados en pinturas que consisten en una cúpula central por donde la luz se cuela e ilumina lo que hay debajo— ayudó a ilustrar la conexión entre el cielo y la tierra. 


Escuela genovesa del siglo XX -Adoración de los pastores.

En cuanto a algunos de los artistas más célebres, Caterina dice que la obra de un hombre condensa el Barroco: ‘Peter Paul Rubens fue un artista flamenco e influyó en los estilos pictóricos de toda Europa. Su lienzo Adoración de los pastores toca los diversos principios del estilo barroco’, explica. ‘Se incluyen un gran número de personajes que actúan con "pathos”, una arquitectura de grandes dimensiones que abraza la escena como si el episodio hubiera sido representado en un teatro, unos putti volando sobre la Natividad, variedad de pastores en una escena coral, un bodegón representado por cabras, palomas y un cubo en primer plano. Y sobre todo, un uso inteligente de la luz para inyectar dramatismo en cada elemento’.


Arte del siglo XVIII – Rococó


Mientras que el arte barroco surgió en la Italia renacentista, el Rococó se originó en Francia un siglo más tarde. El Rococó, un estilo parisino que quería hacer frente a las líneas rígidas y la seriedad del clasicismo francés, era decorativo, desenfadado y extravagante. Toma su nombre de la palabra francesa ‘rocaille’, un guiño a la tendencia de la época renacentista italiana de emplear conchas y rocas para decorar fuentes y grutas. Los artistas rococó utilizaban conchas marinas y rocas en la escultura y la arquitectura, pero para las pinturas, los motivos marinos eran más sutiles. Aquí, las líneas curvas, los tonos pastel y lo caprichoso reflejaban la exuberancia ilimitada del mar. ‘En el centro de todo el Rococó está la gracia y la belleza’, dice Caterina. ‘Los artistas rococó se centraban en temas trabajados de forma lujosa, el romance cortés y la alegría. Se pintaban la vida real y figuras fantásticas, desdibujando los hechos y la ficción, pero permaneciendo fieles a la extravagancia del Rococó’. 



Allan Ramsay (1713-1784) (atribuido a) - Portrait de Richard Grenville 

Un artista que encarnaba este estilo fue Allan Ramsay. ‘Los retratos de Ramsay son un excelente ejemplo del arte rococó. Son detallados, elegantes y se centran en captar el sujeto en su momento de más belleza’. Esto, según, explica Caterina, es por lo que el Rococó era tan popular entre la aristocracia. ‘Por su aspecto de ligereza, brillo y elegancia, el Rococó se convirtió en el estilo preferido de la élite, a la que le interesaba ser retratada con el mismo gusto brillante, sofisticado y detallado’. 


Arte del siglo XIX – Romanticismo

 

Si el arte del siglo XVIII tocó de pasada la fantasía, el arte romántico del siglo XIX se comprometió completamente con ella. Era la forma de arte dominante de la época: el rechazo de lo racional y la aceptación del asombro y los sentimientos. ‘En esencia, el Romanticismo era la idea de que la razón no podía explicarlo todo’, cuenta la experta en arte Gianna Furia. ‘Como reacción al culto a la racionalidad, que alejaba a la gente de la religión, las creencias tradicionales y los rituales, los románticos buscaron hacer llamamientos más profundos, a menudo subconscientes. Cuando la ciencia, al tratar de explicar todos los misterios de la vida, desilusionó al mundo, el Romanticismo trató de infundir en él nuevo misterio, asombro y belleza’. 


¿Cómo era? Gianna dice que se trataba de ilustrar el poder de la naturaleza y el asombro del hombre frente a ella. ‘La naturaleza juega un papel importante en el arte romántico, al igual que sucedería en las obras literarias de la época como Frankenstein, de Mary Shelley. Su poder infinito, en comparación con la relativa insignificancia del hombre, se describe a menudo en escenas sublimes de confrontación, en las que el mundo exhibe tanto sus maravillas de belleza como sus terribles peligros’. 



Carlo Bossoli (1815-1884) - Paesaggio alpino

Un destacado artista romántico fue Carlo Bossoli. ‘De origen suizo, se inspiró en su época en Italia’, explica Gianna. ‘Se hizo famoso por sus vedute, vistas románticas de la campiña y las ciudades italianas que representaban la vida de sus habitantes’. No obstante, algunos podrían decir que la pintura romántica más emblemática es El caminante sobre el mar de nubes, de Caspar David Friedrich, que muestra la dualidad de la naturaleza que fascinaba a los románticos: su poder para cautivar y nuestra insignificancia frente a ella.


Arte del siglo XIX-XX – Impresionismo


La irreverencia y la espontaneidad encontraron un sitio en el Impresionismo. Como movimiento artístico clave de la Europa del siglo XIX, su influencia perduró hasta inicios del siglo XX. ‘La palabra Impresionismo surgió en Francia en 1874, cuando un crítico de arte vio la obra maestra de Claude Monet Impresión, sol naciente e inventó el término para referirse a esta nueva forma de pintar’, dice Gianna.  ‘El Impresionismo estuvo representado en gran medida por un grupo de pintores que expusieron juntos de 1874 a 1886, entre los que se encontraban Monet, Edgar Degas, Auguste Renoir y Paul Cézanne’.


Todas las pinturas impresionistas contenían un fuerte elemento natural y, como guiño a los movimientos artísticos precedentes, jugaban con escenas de ocio y paisajes ligeros, burgueses. ‘El Impresionismo se basa en la práctica de pintar espontáneamente, al aire libre y delante del tema, en lugar de dibujar fuera y luego volver al estudio para pintar’, dice Gianna. ‘Así, la mayoría de las pinturas impresionistas representan paisajes y escenas de la vida familiar. A los pintores impresionistas les interesaba principalmente trasladar el sentimiento de luz a la espesa pintura, un esfuerzo aparentemente contradictorio, pero en el que tuvieron éxito. Para ello trabajaban a un ritmo rápido, capturando la luz, los efectos naturales y los colores mediante pequeños y brillantes toques de pintura’. 



Principios del siglo XX – Escena callejera impresionista, París

El Impresionismo consistía en capturar los momentos fugaces de la vida y similares, y se centraba más en la perspectiva que en la perfección. ‘La forma de pintar rápida de los impresionistas que sustituía al aspecto posado y muy pulido de las pinturas clásicas es visible en el dibujo de Edgar Degas de una espectadora en la ópera Au théatre: Spectatrice et Saint George. La joven está esbozada en el acto, desde el punto de vista de otro espectador, el artista, con líneas rápidas y resumidas’. Y aunque no fuera bien recibido cuando llegó a la atención del público en general, finalmente conquistó al público y a la crítica. ‘Era muy diferente a la pintura académica en el sentido de que las pinturas trataban de capturar lo que el ojo ve frente a las nociones preconcebidas de cómo algo se debía ver. La emancipación respecto a esta idea permitía a los espectadores alejarse de los clichés y llegar a una visión más verdadera de su entorno y de sí mismos’. 


Arte del siglo XX – Cubismo


Quizá la ruptura más drástica en los movimientos artísticos pasados fue el auge del Cubismo. Encabezado por Pablo Picasso y Georges Braque, el estilo cubista empleaba líneas geométricas y formas para simplificar la forma y eliminar cualquier sentido de perspectiva. ‘Destaca como un rechazo a la imagen figurativa y ofrece una nueva visión artística basada en formas abstractas’, explica la experta en arte moderno Caroline Bokobza. ‘Muchos movimientos del siglo XX, como el Futurismo, el Suprematismo, el Dadaísmo, el Constructivismo, el Vorticismo, De Stijl y el Art déco se desarrollaron en muchos países como respuesta al Cubismo’ 



Sonia Delaunay (1885-1979) - Rhytme coloré no. 822

Mientras que los movimientos artísticos anteriores tomaron la idea del arte imitando a la naturaleza, los artistas cubistas crearon una nueva realidad sobre el lienzo presentando una realidad recién construida y fragmentada, unida por líneas rectas y con una forma estructurada. Las señoritas de Avignon de Picasso, una pintura que representa a cinco mujeres como figuras de contornos duros y angulosos, se cita como el primer ejemplo del Protocubismo. 


El Cubismo más tarde se dividiría en dos grandes movimientos: el Cubismo analítico, que se centraba en estas líneas duras y estructuras serias; y el Cubismo sintético, que en su lugar presentaba color y objetos de la vida real, como envoltorios de tabaco y periódicos. Esta introducción de objetos ajenos al arte que ahora conocemos como 'collage' más tarde se convertiría en uno de los elementos fundamentales del arte moderno. 


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